JORNADAS DE INVESTIGACIÓN

Material Gráfico Jornadas 2011

2011-11-12T10:02:00.001+01:00

LABoral Centro de Arte y Creación Industrial

2011-11-09T18:55:00.009+01:00

Situado en Gijón, Asturias, LABoral Centro de Arte y Creación Industrial se inauguró el 30 de marzo de 2007 como espacio interdisciplinar para favorecer el intercambio artístico y fomentar la relación entre sociedad, arte, ciencia, tecnología y creación industrial.

Es el único centro existente en España dedicado, desde su misma concepción, a la cultura tecnológica, la investigación artística, la producción, la formación, la exposición y la difusión del arte actual y las industrias creativas.

Este proyecto surge como respuesta a la necesidad de contar en España con un espacio dedicado a la experimentación artística y, al mismo tiempo, volcado en el desarrollo de la emergente actividad de aquellos creadores que desarrollan sus conceptos expresivos a través de las nuevas herramientas que ofrecen las actuales Tecnologías de la Información y de la Comunicación (TIC).

En estas Jornadas, durante su conferencia, Rosina Gómez-Baeza hizo un repaso de su gestion en LABoral, este archivo es la memoria de esos 4 años de trabajo.

Memoria. Cuatro años de LABoral (pdf)

Estrategia para las Artes Visuales

2011-11-07T18:45:00.004+01:00

Durante el desarrollo de las presentes Jornadas, la Dirección General de Bellas Artes del Ministerio de Cultura del Gobierno de España presento esta Estrategia para las Artes Visuales con la convicción de que el acceso a la cultura y las artes es un derecho de todos los ciudadanos, y que tal y como establece el artículo 9 de la Constitución Española los poderes públicos deben facilitar la participación de todos los ciudadanos en la vida cultural.

Estrategia Artes Visuales (pdf)

Inscripción 2011

2011-10-26T13:43:00.005+02:00

http://www.uv.es/icie/

http://jornadesartcontemporani.blogspot.com

Reconocido como 2 créditos de libre opción.

MATRÍCULA:
Unitat de Suport als Instituts de Blasco Ibáñez

Facultat de Filologia

Av. Blasco Ibáñez, 32 (1ª planta)

Se facilitará información a través del correo electrónico:

m.teresa.lopez@uv.es y del teléfono: 96 386 40 31

Para aquellos alumnos de la Universitat de València que soliciten la convalidación de créditos, el importe de la matrícula es de 40 € a ingresar en la cuenta:

Banco Santander - Urb. Artes Gráficas, 12 - Campus Blasco Ibáñez

C/C nº: 0049-6721-67-2910015359

Las personas interesadas que no deseen créditos, podrán inscribirse gratuitamente facilitando nombre, apellidos y DNI a través del siguiente correo electrónico hasta completar el aforo: m.teresa.lopez@uv.es

LUGAR DE CELEBRACIÓN:
Salón de Actos "Sanchis Guarner" de la Facultat de Filologia
Avda. Blasco Ibáñez, 32
46010 Valencia

Programa 2011

2011-10-26T13:04:00.005+02:00

DIA 3 DE NOVIEMBRE

09:30 h. Presentación de las III Jornadas

Antonio Ariño

Vicerrector de Cultura Universitat de València

Román de la Calle

Director de l’Institut de Creativitat i Innovacions

Joan B. Peiró

Director de Comunicación Institucional de la Universitat Politécnica de Valencia

María Irene Beneyto

Concejala de Cultura del Ayuntamiento de Valencia

Presentación del libro: La imagen mundializada ¿una iconicidad global?

(Publicación Jornadas 2010)

10:00 h. Mío, tuyo, nuestro, vuestro

Rosa Olivares

Directora de la revista EXIT, Imagen & Cultura

Editora, escritora, periodista y crítica de arte

11:00 h. Pausa-café

11:30 h. La realidad y el deseo

Isabel Tejeda

Profesora de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Murcia y comisaria independiente

12:30 h. Mesa redonda: Estrategia para las Artes Visuales

Begoña Torres

Subdirectora General de Promoción de las Bellas Artes, Ministerio de Cultura, Gobierno de España

Yolanda Romero y Daniel García Andújar

Miembros del grupo de trabajo redactor de la Estrategia para las Artes Visuales impulsada por el Ministerio de Cultura

Modera: José Luis Pérez Pont

Presidente de AVCA y del Consejo de Críticos y Comisarios de Artes Visuales de España

17:00 h. El pensamiento arquitectónico de Alfredo Payá en el Museo de la Universidad de Alicante

Fernando Aranda

Profesor de Arquitectura de la Universidad Politécnica de Valencia

Ex vicerrector de Cultura

19:00 h. Del ‘arts council’ al CoNCA

Xavier Bru de Sala

Escritor, articulista y poeta

Ex director General de Promoció Cultural de la Generalitat de Catalunya

Ex president del Primer Consell Nacional de la Cultura i de les Arts

DIA 4 DE NOVIEMBRE

10:00 h. Políticas culturales para un sistema de las artes visuales

Pilar Parcerisas

Crítica e historiadora del arte, ensayista y comisaria de exposiciones

Vicepresidenta primera del Consell Nacional de la Cultura i de les Arts (CoNCA), Generalitat de Catalunya

11:30 h. Pausa-café

12:00 h. Mesa redonda: Las artes visuales en la política valenciana

Mª José Catalá Verdet

Alcaldesa de Torrent y diputada en las Cortes Valencianas (PP)

Juan Soto

Diputado en las Cortes Valencianas (PSPV-PSOE)

Josep Maria Pañella

Diputado en las Cortes Valencianas (Coalició Compromís)

Lluís Torró

Diputado en las Cortes Valencianas (EUPV).

Modera: Ricard Silvestre

Vicepresidente de AVCA y miembro del Instritut de Creativitat i Innovacions Educatives

17:00 h. Factorías culturales y su potencial en la escena artística actual

Rosina Gómez-Baeza

Comisaria de exposiciones

Ex directora del Centro de Arte y Creación Industrial LABoral de Gijón

Ex directora de ARCO

Ex directora de la I Bienal de Canarias: Arquitectura, arte y paisaje

19:00 h. Políticas y mediaciones para la igualdad entre los géneros en artes visuales

Rocío de la Villa

Profesora de Estética y Teoría del Arte de la Universidad Autónoma de Madrid y crítica de arte

20:30 h. Clausura

Ana de Miguel

Directora Sala Parpalló

Carmen Senabre / Ricard Silvestre / José Luis Pérez Pont

Coordinadores de las Jornadas

Presentación III Jornadas

2011-10-25T12:30:00.008+02:00

Hacer y dejar hacer

Políticas culturales y mediación pública en las artes visuales

3 y 4 de noviembre de 2011 / Salón de Actos "Sanchis Guarner"

Facultat de Filologia

El valor de los productos culturales está vinculado, no solo a factores estéticos, sino también a cuestiones de interés público. Aún en el contexto de la crisis económica actual, el crecimiento del sector de las industrias culturales ha generado más puestos de trabajo que otros sectores productivos, siendo además un instrumento clave para fomentar el conocimiento y la formación entre la ciudadanía. Y las artes visuales, como uno de los componentes sustanciales de aquel sector cultural, está inmerso en las dinámicas de gestión que se desarrollan desde la administración pública, es decir, es objeto de la aplicación de una política cultural. Cuáles deberán ser los ejes de esas políticas, y cómo deberán ponerse en práctica, son los interrogantes que se pretenden plantear a través de la realización de estas III Jornadas de Investigación.

Se trata de aportar respuestas sobre la necesidad de valorar las audiencias, el aumento de los equipamientos, los criterios de adjudicación de las inversiones, la progresiva aplicación de las nuevas tecnologías en la gestión de la difusión o divulgación de las artes visuales, pero también se cuestiona el abandono de las administraciones respecto de la formación de públicos culturales a través de la educación, o la relación mercado/estado como paradigma modificable en el ámbito de la creatividad cultural y en un mundo globalizado, en donde la creación de riqueza, bienestar y cultura está dependiendo cada vez más de la adecuada implementación de políticas culturales.

Así, lógico es considerar que las instituciones deberán diseñar estas políticas preguntándose sobre lo que interesa a ese espacio de creatividad conformado por la cultura, incidiendo, de esta manera, en dar respuesta y solución a las distintas prioridades relacionadas con una renovación de la legislación, la profesionalización de la gestión cultural, o los mecanismos de participación de los creadores y receptores, a través de asociaciones, organizaciones de artistas o de consumidores culturales. El análisis y desarrollo de estos objetivos, entre los cuales cabe citar el apoyo a la producción artística, a la creación y a la innovación, la ampliación del acceso y la participación en la cultura, o la protección del pluralismo y la libertad de expresión, será el eje alrededor del cual girarán las ponencias y consiguientes debates.

Cerrado plazo matrícula 2010

2010-11-08T20:04:00.003+01:00

El Institut de Creativitat, da por cerrado el plazo de matrícula.

Aforo completado.

Diseño y globalización. El contexto español

2010-11-08T19:11:00.001+01:00

¿Qué es el diseño global? Muchos lo entienden como el diseño comprensible y asumible para la gran mayoría de los usuarios. En este sentido sería un diseño más bien neutral, que no atendería específicamente a rasgos locales y que, además, no se prendería inútilmente de adornos. Decía Antonio Citterio en una entrevista reciente: “Me siento un diseñador global. El idioma de la cautela es como el esperanto: se entiende en todas partes”. Sin embargo, ¿es ese el diseño que hoy se da de forma mayoritaria? ¿Es ese el caso de España? Quizá el término del diseño glocal defina mejor algunos de los últimos logros de nuestro diseño. Al menos por ello apuestan algunos de los más recientes diseñadores y diseñadoras de nuestro país.

Rosalía Torrent Esclapés

2010-11-08T17:09:00.003+01:00

Profesora titular de Estética e Historia del Diseño en la Universitat Jaume I de Castelló. Sus líneas de investigación se sitúan en torno al arte y diseño contemporáneos y el arte feminista. Entre sus publicaciones de diseño destacan Historia del diseño industrial editado en Cátedra en el 2005 e Historia del diseño en España (en colaboración), editado igualemente por Cátedra este año 2010. Ha publicado además monografías sobre las diseñadores valencianas Sandra Figuerola y Marisa Gallén y el diseñador Xavier Bordils. Entre sus publicaciones sobre arte tenemos el libro A century of Spanish Ara Abroad, publicado en Turner. Es Secretaria del Instituto Universitario de Estudios Feministas y de Género de su Universidad, dentro del cual dirige un master universitario y la colección de libros Sendes.

Antoni Muntadas

2010-11-05T12:46:00.002+01:00

Trabaja en su obra temas sociales, políticos y de comunicación, la relación entre el espacio público y privado dentro de un marco social e investiga los canales de información y la forma en que son utilizados para censurar información o promulgar ideas. Trabaja proyectos en distintos medios como la fotografía, vídeo, publicaciones, Internet e instalaciones multimedia.

Muntadas cursó estudios en la Escuela Técnica Superior de Ingenieros Industriales de Barcelona y en el Pratt Graphic Center de Nueva York, donde reside desde 1971. Ha impartido y dirigido seminarios en diversas instituciones de Europa y Estados Unidos y ha sido artista residente y profesor de varios centros de investigación y educación. Ha recibido varios premios y becas, incluyendo los de la Fundación Solomon R. Guggenheim, la Fundación Rockefeller, la National Endowment for the Arts, el New York State Council on the Arts, Ars Electronica en Linz (Austria), Laser d’Or en Locarno (Suiza) y el Premi Nacional d’Arts Plàstiques de la Generalitat de Catalunya. Recientemente le otorgaron el Premio Nacional de Artes Plásticas 2005 concedido por el Ministerio de Cultura español. Su obra se ha exhibido en todo el mundo, en eventos como la Bienal de Venecia (1976), la Documenta Kassel (sexta y décima ediciones), la Bienal del Museo Whitney y las bienales de São Paulo, Lyon, Taipei, Gwangju y La Habana. Ha expuesto, entre otros, en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo de Arte de Berkeley de California, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid y en el MACBA de Barcelona. Participó en la 51 edición de la Bienal de Venecia (2005), transformando el pabellón español en el pabellón On Translation. El Ministerio de Cultura le distinguió con el Premio Velázquez de Artes Plásticas 2009, como reconocimiento a su destacada e intensa trayectoria y contribución al arte contemporáneo nacional e internacional, y pionero de los nuevos comportamientos artísticos.

¿Es real la realidad en tiempos de postmodernidad?

2010-11-05T12:41:00.002+01:00

La pregunta sobre la realidad en los tiempos del triunfo de la estética postmoderna se ha convertido en uno de los interrogantes esenciales de nuestro tiempo. De este modo, en la presente charla se tratarán de establecer las características y los fundamentos de lo que definimos como los criterios de la interpretación postmoderna de lo real y, a la par, se analizarán las distorsiones y contradicciones que han alterado el planteamiento estético y teórico de los creadores de la Postmodernidad.

Blanca Muñoz

2010-11-05T12:38:00.002+01:00

Licenciada en Filosofía, Ciencias Políticas y Sociología. Se doctoró en la Universidad Autónoma de Madrid con la Tesis: Ontología dialéctica en la filosofía de Th. W. Adorno y H. Marcuse (1983). Actualmente es profesora titular de Teoría Sociológica Contemporánea, Sociología del Conocimiento, y Sociología de la Cultura de Masas en la Universidad "Carlos III" de Madrid, tras haber sido profesora titular de Teoría de la Comunicación de Masas en la Universidad del País Vasco durante siete años.

Ha obtenido el Premio de Licenciatura en Filosofía, Premio Mejor Becario y Premio de Investigación Científica. Entre sus publicaciones se pueden citar los libros siguientes: Cultura y Comunicación. Introducción a las teorías contemporáneas (1989). Teoría de la Pseudocultura. Estudios de Sociología de la Cultura y la Comunicación de Masas (1995). Whose Master`s Voice? The Development of Popular Music in Thirteen Cultures (1997). Theodor W. Adorno: Teoría Crítica y Cultura de Masas (2000). La Cultura Global. Medios de Comunicación, Ideología y Cultura en la sociedad globalizada (2005). Modelos Culturales. Teoría Sociopolítica de la Cultura (2005) y la Sociedad Disonante (2010). Asimismo, ha publicado numerosos estudios y artículos sobre la ideología, la cultura, la estética y el conocimiento colectivo en la sociedad contemporánea.

Tiempo final y nueva crítica

2010-11-05T12:22:00.004+01:00

Creo que la cuestión fundamental de nuestro momento histórico es la supervivencia biológica del planeta y por tanto de la humanidad. Las guerras y genocidios de nuestro presente, y el poder universal de los medios de comunicación son los instrumentos de dominación que nos impiden confrontar racional y solidariamente los dilemas ecológicos, biológicos y existenciales de toda la humanidad. Las guerras y los mass-media son ciertamente dos cuestiones capitales. Son los fundamentos de un nuevo orden totalitario. Incomparable con los totalitarismos del siglo pasado.

Eduardo Subirats

Eduardo Subirats

2010-11-05T12:19:00.003+01:00

Viajero. Escapé de una facultad de Medicina en Barcelona. Me vinculé a los Situacionistes en Paris y participé en la Universidad crítica de Berlín, en 1968. Estudié en Paris. Psicoanálisis, fenomenología. A finales de los setenta estudié en Berlín. Filosofía clásica alemana, ciencias de la religión, estética de la modernidad, hermenéutica. Regresé a Barcelona acabada la dictadura franquista. A los dos años abandoné Barcelona. Me dediqué a estética, historia del arte y arquitectura en New York y São Paulo. Regresé al Madrid de la Movida. Durante una década viví entre México, São Paulo, Caracas, Berlín y Madrid. Estudiaba, leccionaba, escribía, agitaba. Abandoné España en 1993. Profesor en Princeton. Más tarde, en New York: literatura y pensamiento en el ámbito ibérico y latinoamericano, filosofía, teoría del arte, cine. Hoy vivo entre Princeton, México y São Paulo. Aprendo viajando. Soy un poco de todas partes y no pertenezco a ningún lugar.

Recientemente, en la Universidad de New York, mis colegas atacaron violentamente a una doctoranda porque citaba con excesiva pasión tres libros míos: El continente vacío, Memoria y exilio y La existencia sitiada. Mis censores académicos son perspicaces y están bien informados. Son mis libros más importantes, junto a la reciente antología Filosofía y tiempo final.

Prorrogado plazo de matrícula

2010-11-05T11:20:00.015+01:00

El Institut de Creativitat, ante la demanda generada por las peticiones de asistencia a las

Jornadas, ha prorrogado el plazo de matrícula hasta el próximo dia 10 de noviembre.

Inscripción 2010

2010-10-15T20:49:00.013+02:00

Coordinadores:

Carmen Senabre, Ricard Silvestre y José Luis Pérez Pont.

Esta actividad será convalidada por 2 créditos de libre elección.

Matrícula:
Unitat de Suport als Instituts de Blasco Ibáñez

Av. Blasco Ibáñez, 32 (1ª planta). Facultad de Filología.

Se facilitará información a través del correo electrónico:

Banco Santander - Urb. Artes Gráficas, 12
c/c nº: 0049-5457-28-2116095178

El plazo de matrícula finaliza el dia 5 de noviembre de 2010.

Las personas interesadas que no deseen créditos, podrán inscribirse gratuitamente facilitando nombre, apellidos y DNI a través del siguiente correo electrónico hasta completar el aforo:

jornadesartcontemporani@gmail.com

Dirigido a:
Estudiantes de Historia del Arte, Bellas Artes, Humanidades, Comunicación Audiovisual, Ciencias de la Información, así como artistas, críticos de arte, comisarios, directores de museos y centros de arte, gestores culturales, periodistas y público en general. Certificado de asistencia.

Lugar de celebración:
Salón de Actos MuVIM
Quevedo, 10
46001 Valencia

Organiza: Institut de Creativitat i Innovacions Educatives. Universitat de València
Patrocina: Dirección General de Política Científica. Generalitat Valenciana
Colabora: MuVIM y Sala Parpalló. Diputació de València

Programa 2010

2010-10-15T19:44:00.013+02:00

Día 11 de noviembre

9.30 h. Presentación II Jornadas
Josep Lluís Sirera, Vicerrector de Cultura UV.
Ana de Miguel, Directora Sala Parpalló.
María Irene Beneyto, Ayuntamiento de Valencia.
Javier Varela, Director del MuVIM.

Presentación del libro: Arte Contemporáneo y público. ¿Una relación imposible? (Publicación Jornadas 2009).

10.00 h. (Titulo conferencia por determinar)
Antoni Muntadas. Artista.
Modera: José Luis Pérez Pont

11.30 h. Pausa-café

12.00 h. El cine como primer lenguaje visual globalizado
Aurea Ortiz. Profesora de Historia del Arte de la Universitat de València.
Modera: Rian Lozano.

17.00 h. El arte de los 90 como detonante para la creatividad del siglo XXI. Nexos, coincidencias y vínculos
Ricardo Forriols. Profesor de Historia del Arte en la Universidad Politécnica de Valencia y crítico de arte.
Modera: Juan Robledo.

19.00 h. ¿Es real la realidad en los tiempos de la Postmodernidad? Arte, Comunicación y Sociedad en los inicios del Siglo XXI
Blanca Muñoz. Profesora de Teoría Sociológica Contemporánea, Sociología del Conocimiento y Sociología de la Cultura de Masas en la Universidad "Carlos III" de Madrid.
Modera: Carmen Prats.

Día 12 de noviembre

10.00 h. Tiempo Final y Nueva Crítica
Eduardo Subirats. Profesor del Departamento de Español y Portugués de la New York University (NYU).
Modera: Ricard Silvestre.

11.30 h. Pausa-café

12.00 h. Nuevos Lenguajes, Nuevos Públicos
Álvaro de los Ángeles. Profesor del Departamento de Comunicación Audiovisual, Documentación e Historia del Arte de la Universidad Politécnica de Valencia.
Modera: José Luis Giner.

17.00 h. Diseño y globalización: el contexto español
Rosalia Torrent. Profesora de Estética y Teoría de las Artes en la Universitat Jaume I de Castellón y crítica de Arte.
Modera: Carmen Senabre.

19.00 h. Mesa Redonda
A partir de la presentación del libro: Filosofía y tiempo final de E. Subirats, se celebrará una mesa redonda junto con Anacleto Ferrer y Amparo Zacarés.

20.30 h. Clausura
Carmen Senabre / Ricard Silvestre / José Luis Pérez Pont.

Coordinadores de las Jornadas.

Presentación II Jornadas

2010-10-15T19:11:00.016+02:00

La imagen mundializada

¿Una iconicidad global?

11 y 12 de noviembre de 2010 / Salón de Actos del MuVIM

Estas Jornadas de investigación analizan la problemática que ha propiciado un nuevo modelo de internacionalización del arte y una mundialización de la cultura, ambos, aspectos básicos de los actuales comportamientos artísticos tanto en el contexto valenciano como internacional, siendo tal vez precedentes de una iconicidad global.

En este sentido, las características y efectos sociales, artísticos y culturales derivados de la globalización visual, generado por las intervenciones, instalaciones, el arte de acción y las realizaciones artísticas –en donde los instrumentos relacionados con los mass media o las nuevas tecnologías se postulan como el mecanismo fundamental para su praxis creativa– plantean la posibilidad de una nueva reflexión.

La celebración de este encuentro de profesionales de primer orden en el ámbito de investigación de la cultura visual, tiene como objetivo profundizar en las consecuencias socioculturales que se derivan de la globalización de la imagen y su democratización, en lo que respecta a la capacidad individual de producción icónica originada a partir de la última revolución tecnológica en este campo.

Incidencias Jornadas 2009

2009-11-07T13:27:00.001+01:00

Debido a problemas de salud y ante la justificada incomparecencia de dos de los conferenciantes (Daniel Castillejo e Iván de la Nuez), la ponencia de Antoni Abad se desplazo a la segunda sesión matinal del viernes día 6, realizándose por la tarde una mesa redonda cuyos intervinientes fueron: Amparo Zacarés, Rogelio López y José Luis Pérez Pont.

Antoni Abad

2009-10-31T20:34:00.001+01:00

El trabajo de Antoni Abad desde 2003 se centra en la creación de comunidades digitales a través del uso de teléfonos móviles con cámara integrada. La capacidad de estos dispositivos de registro multimedia (foto, audio, vídeo y texto) y de colocar contenidos en Internet de manera inmediata, ha convertido los teléfonos en megáfonos que dan voz a colectivos que normalmente no tienen presencia activa en los medios de comunicación.
Abad ha trabajado, por orden cronológico, con las siguientes comunidades: taxistas de México DF, comunidades gitanas de Lleida y León, prostitutas de Madrid, inmigrantes nicaragüenses en Costa Rica, mensajeros en motocicleta (motoboys) de Sao Paulo, personas con discapacidad física en Barcelona y en Ginebra, personas desplazadas y desmovilizadas a causa del conflicto en Manizales (Colombia) y jóvenes de los campamentos de refugiados Saharauis en Tinduf, Argelia. Todas ellas tienen en común su condición de comunidades sin posibilidad de autorepresentación en los medios de comunicación preponderantes.
El proyecto BARCELONA*accessible recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas de la Generalitat de Catalunya y el Golden Nica Digital Communities del Prix Ars Electronica de Linz (Austria), en 2006.
Antoni Abad: http://www.megafone.net

El público, lo que es público y lo que se ha publicado en el arte contemporáneo.

2009-10-31T20:30:00.000+01:00

La presentación intentará compartir una serie de interrogantes, a partir de tres líneas fundamentales:
1. El público.
¿Supone este criterio la persistencia de la idea sobre un espectador pasivo?¿Puede hablarse hoy en términos de público como quien hablaba de “audiencia” en otros tiempos? ¿En qué lugar dejamos la participación que permiten los nuevos formatos? ¿En cuantas direcciones viaja una obra? ¿Podemos hablar de obras realizadas “para completar”? ¿Cuál es el lugar de las obras de arte en la transmisión de conocimientos?
2. Lo público.
¿Es lo público exclusivamente aquello que está subvencionado por las instituciones públicas? ¿Hay un paralelo entre lo público y lo social? ¿Qué lugar tienen las redes sociales en eso que llamamos “lo público”? ¿Hay una relación irrompible entre lo público y lo estatal? ¿Si un proyecto u obra tiene lugar en el espacio público, no es ya, por definición, “público”? ¿Son las instituciones una entidad pública sólo por el hecho de la procedencia estatal de sus presupuestos? ¿Hay una paridad entre lo público y lo ciudadano? ¿Cómo entender lo patrimonial en lo que entendemos por público?
3. Lo publicable.
¿Cuál es el lugar de la crítica en el arte contemporáneo? ¿Es lo que se publica lo más adecuado en la actualidad? ¿Son los textos de catálogo un saber que se distribuye de manera endogámica, entre colegas, y al interior de la secta? ¿De qué manera participa lo que se publica sobre arte en el debate intelectual contemporáneo, más allá del arte? ¿Entienden los escritores el arte contemporáneo? ¿Han quedado los artistas como personajes de la ficción del siglo XXI?
Iván de la Nuez.

Iván de la Nuez

2009-10-31T20:28:00.000+01:00

Iván de la Nuez. Ensayista, crítico de arte y curator. Ha publicado La balsa perpetua (1998); El mapa de sal (2001); Postcapital: crítica del futuro (2006) y Fantasía Roja (2006), así como las antologías Cuba: la isla posible (1995); Paisajes después del Muro (1999); y Cuba y el día después (2001). Ha programado más de un centenar de exposiciones y fue el responsable de la creación del Centro de la Imagen de Barcelona, del que fue su primer director. Ha sido curator o co-curator de exposiciones como La isla posible (1995); Inundaciones (1999); Parque humano (2002), Banquete (2003); Postcapital (2006), De Facto. Retrospectiva de Joan Fontcuberta (2008); Dentro y fuera de nosotros. Retrospectiva de Javier Codesal (2009); La Crisis es Crítica (2009). En 1995, obtuvo la beca Rockefeller para las Humanidades. Ha sido Mención de Honor en los Premios Ciutat de Barcelona y Premio Espais d´Art a la mejor crítica publicada en España en 2006.

Daniel Castillejo Alonso

2009-10-31T20:24:00.000+01:00

Daniel Castillejo Alonso (Burgos, 1957)
Director del Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo ARTIUM de Álava

Licenciado en Bellas Artes por la UPV (Universidad del País Vasco), 1980

Desde 1985 hasta 2001, técnico responsable de la gestión de la colección de arte contemporáneo del Museo de Bellas Artes de Álava (actual Colección ARTIUM). Desde 1985 ha participado directamente en el informe y adquisición de más de 1.000 obras de arte de la Colección ARTIUM.

Desde 1989 hasta 2001, director de la Sala Amárica (Vitoria-Gasteiz)

Desde 2001 hasta 2007, conservador del Departamento de Colección Permanente y Análisis Artísticos del Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo ARTIUM.

Desde octubre del 2008 es director del Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo.

Miembro de la Comisión de Adquisiciones de la Diputación Foral de Gipuzkoa y jurado en numerosos certámenes, premios y becas.

Autor de artículos, textos curatoriales y de catálogos; ponente en múltiples conferencias y mesas sobre la idea del arte contemporáneo como agente de modificación social.

Activista cultural, promotor de estructuras culturales de Vitoria-Gasteiz.

Comisario de diversas exposiciones.
Cabe destacar en los últimos años las comisariadas en el Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo entre las que se encuentran Catarsis, Rituales de Purificación, Amar, Pensar y Resistir, Objeto de Réplica y No más Héroes, El tiempo que venga.

¡Apaga y vámonos! Crónicas de un desertor del arte.

2009-10-31T20:22:00.000+01:00

Repaso a los últimos cambios de paradigma y fronteras artísticos, así como a políticas institucionales y de mercado. En un tono provocativo pero exento de demagogia, abierto al debate, y abundante documentación, se abordará el descrédito del arte, cómo sus funciones han ido siendo esquilmadas por otros campos creativos y manipuladas desde las instancias de poder como escaparate institucional, así como su realidad económica: mercados globales, crisis del modelo museográfico y rentabilidad patrimonial.
Ricard Mas.

Ricard Mas

2009-10-31T20:20:00.000+01:00

Ricard Mas Peinado (Sabadell, 1966) es crítico de arte y comisario de exposiciones. Colabora con los periódicos AVUI y La Razón, y con las revistas Descubrir el Arte, BonArt y el semanario El Temps. Tras licenciarse en la UAB, trabajó durante siete años con el crítico de arte Rafael Santos Torroella como ayudante de investigación. Ahí aprendió el oficio que nos niegan en la facultad. En 1993 comienza su labor como crítico de arte en el suplemento cultural de Diario 16, a las órdenes de César Antonio Molina. Después colaborará periódicamente con ABC, y La Razón. Ha publicado unos 800 artículos de crítica de arte y 11 libros, entre los cuales: Dossier Marinetti (1994); Joan Salvat-Papasseit: redactor en cap (1994); La vida pública de Salvador Dalí (2002); Qui no anuncia no ven. Els artistes catalans i la publicitat (2002); Universo Dalí (2003); y Pintura española contemporánea. Últimas tendencias (2006).
Ha comisariado varias exposiciones, entre las cuales: L’art de falsificar (1997); Los putrefactos de Dalí y Lorca (1998); Èczema. Del textualisme a la postmodernitat 1978-1984 (2002); Dalí. Una vida de llibre (2004); Tot a cent: obres mestres del disseny per menys de cent euros (2005); El sexe i la rauxa (2005); Tres mestres del videojoc: Shigeru Miyamoto, Will Wright y John Carmack (2006); Oteiza (2009). En enero, comisariará en el Arts Santa Mònica, de Barcelona, la exposición Societats Virtuals.

¿Y para qué poetas…? (todavía).

2009-10-31T20:12:00.000+01:00

El modo de explotación capitalista postindustrial le ha otorgado a la cultura una centralidad inédita: los museos y su ostentosa arquitectura-icono, la más visible bandera de la guerra entre ciudades en el mercado global de las imágenes, son la coartada ideal para la especulación urbanística; y no puede imaginarse una cortina de humo más eficaz que el arte a la hora de ocultar los abusos más impresentables. Nunca hubo mejor momento que el actual para volverse a preguntar de nuevo: "¿Y para qué poetas en tiempos de miseria?”
Rogelio López Cuenca.

Rogelio López Cuenca

2009-10-31T20:10:00.001+01:00

Rogelio López Cuenca, Nerja (Málaga), 1959. Artista.
http://www.malagana.com

La imposibilidad de la crítica en su difusión pública.

2009-10-31T20:01:00.000+01:00

Una de las proclamas que periódicamente lanza la crítica es aquella que interroga directamente su propia imposibilidad. Hasta tal punto es así que su agotamiento parece ser uno de los motivos centrales del discurso crítico. La crítica, en todas sus manifestaciones y ámbitos, está acabada; y mientras que los titulares se empeñan en anunciar e incluso en certificar la desaparición de la crítica y su imposibilidad para llegar al público, al crítico de arte se le exige no sólo dar cuenta con argumentos sólidos de por qué una obra de arte es buena o no, e implicarse en su interpretación, sino que además debe denunciar las posibles quiebras del sistema.

Sólo cuando existe un público para el arte puede existir la crítica de arte. Esto es así desde que a mediados del siglo XVII, y especialmente a partir del siglo XVIII, el arte dejó de ser controlado por grupos de élite y el público, y con él la figura del crítico, pasó a ser protagonista del debate artístico. Todo parecía ir bien hasta que la opinión del público, a través del crítico de arte, su portavoz e intérprete, apareció impresa.

De portavoz del gusto y juicio del público, la crítica de arte ha ido desplegando en el tiempo múltiples teorías en un intento de resolver la complejidad de la creación artística. Las teorías han ido modificando los juicios críticos que en la actualidad tienen por interlocutores a los artistas, coleccionistas, responsables de museos y centros de arte y a los propios críticos de arte, en lugar de al público.

Es tarea de la crítica comprender y esclarecer; y su principal función en este sentido ha de ser pedagógica, debe explicar el significado de la obra y la razón por la que ese significado se presenta como lo hace. Sin olvidar al público. Porque de hacerlo, corre el riesgo de convertirse en una ideología de rango académico.

¿Para qué hacerse crítico?, ¿qué papel corresponde a la crítica de arte actual?, o ¿en qué medida puede contribuir la crítica de arte a la construcción del presente?, son algunas de las cuestiones planteadas en esta conferencia en la que su autora da cita a algunos de los críticos nacionales e internacionales, pertenecientes a los más diversos campos de la creación, con el ánimo de refutar la impotencia e incomprensión de la crítica.
Chus Tudelilla.

Chus Tudelilla

2009-10-31T19:58:00.000+01:00

Chus Tudelilla. Historiadora del arte.
Ejerce la crítica de arte en El Periódico de Aragón y en la revista Exit.
Pertenece al Consejo de Críticos de Artes Visuales y a la Asociación Mujeres en las Artes Visuales.
El interés por la relación entre la historia y la contemporaneidad, dirige su línea de investigación centrada en la creación actual y en el arte español de preguerra y posguerra.
En la actualidad está realizando la tesis doctoral sobre el papel de Mathias Goeritz en la España de la inmediata posguerra.

La atención a las más diversas disciplinas de la creación contemporánea dirigen los proyectos expositivos de los que es comisaria. Entre ellos destacar:

Saura. El perro de Goya [Salas del Arenal, Sevilla y Museo de Zaragoza, 1992]; Luces de la ciudad: arte y cultura en Zaragoza 1914-1936 [La Lonja y Palacio de Montemuzo, Zaragoza, 1995]; Tomás Seral y Casas. Un galerista en la posguerra [Centro Cultural Conde Duque, Madrid; Edificio Pignatelli, Zaragoza, 1998]; Luis Gordillo [Banco Zaragozano, Zaragoza, 2000]; Javier Peñafiel. Tragedia de las Corporaciones. Ignorancia [Diputación de Huesca, 2000]; Eduardo Arroyo [Banco Zaragozano, Zaragoza, 2000]; Luis Buñuel. Los enigmas de un sueño [Diputación de Huesca; Museo Pablo Serrano, Zaragoza, 2000]; Colección Banco Zaragozano. Arte contemporáneo [Círculo de Bellas Artes, Madrid, La Lonja y Banco Zaragozano, Zaragoza, 2001]; Mirar el mundo otra vez. Galería Spectrum Sotos. 25 años de fotografía, [La Lonja, Zaragoza, 2002]; Enrique Larroy. La pista falsa [Diputación de Huesca, Huesca, 2005]; Erzählungen/Relatos, [Paraninfo Universidad de Zaragoza; Frauen Museum, Bonn; Kunstbunker Tumulka, Munich, 2005]; Signos de la imagen [Diputación de Huesca, Huesca, 2006]; Viladrich. Primitivo y perdurable [Castell de Fraga; Museu d’Art Moderne Jaume Morera, Lleida; Ibercaja, Zaragoza, 2007]; Carlos Saura. Los sueños del espejo [Diputación de Huesca, Centro Cultural El Matadero, Museo de Huesca, CDAN, Huesca; Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, 2007]; El paso a la moderna intensidad [Fundación Antonio Saura, Cuenca; Convento de la Merced, Ciudad Real, 2008-2009]; Enrique Larroy. Pintura corriente [Museo de Teruel, 2009]; Borau. Furtivos [Diputación de Huesca, 2009]; Fernando Sinaga. Pantallas espectrales [Paraninfo Universidad de Zaragoza, 2009].

Estrategias desde el centro de arte.

2009-10-31T19:55:00.000+01:00

La institución artística hoy parece que estuviese condenada a producir espacios que faciliten el consumo y que entretengan al visitante y es el cumplimiento de esta función el que le permite asegurar, en buena medida, su éxito público y, en consecuencia, su financiación. Por ello los museos se encuentran hoy en una terrible encrucijada: por una parte, son conscientes de que es difícil sustraerse a los intereses del mercado, a los dictados de sus exigencias (rentabilidad, altas cifras de audiencia, alianzas con el poder, visibilidad mediática etc...) pero por otra tampoco quieren olvidar la función del museo como catalizador de la cultura, como espacio de conflicto, como lugar de conocimiento. Por ello, frente al museo como agente del mercado y la industria cultural y frente a la privatización de la cultura, la reivindicación del museo como servicio público se hace cada vez más pertinente.
Yolanda Romero.

Yolanda Romero

2009-10-31T19:53:00.000+01:00

Yolanda Romero, es licenciada en Historia del Arte y directora, desde al año 2000, del Centro José Guerrero de Granada donde ha organizado y dirigido numerosos proyectos expositivos, así como seminarios, publicaciones y ciclos de cine y video. Con anterioridad dirigió las Salas del Palacio de los Condes de Gabia de la Diputación de Granada. Asimismo, ha comisariado y dirigido proyectos expositivos como los dedicados a José Guerrero, Pablo Palazuelo, Helen Levitt, Judith Barry, Richard Misrach, Rogelio López Cuenca, Narelle Jubelin, Ricahard Avedon, William Wegman, Antoni Muntadas, Martha Rosler o David Lamelas, entre otros, y proyectos colectivos como Melodrama, Desacuerdos. Sobre arte, políticas y esfera pública en el Estado español, Los colores de la carne o Transductores. Desde 2001 es miembro del equipo directivo del proyecto Arte y Pensamiento de la Universidad Internacional de Andalucía. Ha sido impulsora y socia fundadora de la Asociación de Directores de Arte Contemporáneo de España (ADACE), de la que es presidenta desde 2005.

Arte – público: ¿una relación imposible?

2009-10-31T19:25:00.002+01:00

La relación entre arte y público donde mejor se ejemplifica sin lugar a dudas es en el concepto de "arte público". Este concepto se refiere fundamentalmente al arte (como las estatuas o los monumentos) presente en los espacios públicos. Las recientes disputas en torno al arte público se han olvidando cada vez más del viejo concepto de "arte", para tratar de pensar precisamente el concepto de lo "público". El problema de lo público se entiende en primer lugar como contrapuesto a lo privado, por un lado, y a lo íntimo por otro. Pero tanto lo íntimo como lo privado son conceptos problemáticos que se han vuelto muy borrosos, en la Época de la televisión, de la web-cam y del teléfono móvil. En la conferencia se tratará de abordar específicamente el problema del monumento contemporáneo, como modelo por excelencia del "arte público" y se intentará pensar cuáles son los monumentos que funcionan en nuestra cultura contemporánea y cuáles no, y por qué.
Miguel Cereceda.

Miguel Cereceda

2009-10-31T18:47:00.002+01:00

Miguel Cereceda (Santander, 1958) es Profesor titular de Estética y Teoría de las Artes en el Departamento de Filosofía de la Universidad Autónoma de Madrid. Ha sido Catedrático de Filosofía de Bachillerato y profesor de Sociología del Arte en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca de la Universidad de Castilla-La Mancha. Actualmente es miembro de la Junta Directiva del Círculo de Bellas Artes de Madrid, crítico de arte en el diario ABC de Madrid y Profesor Invitado en el Departamento de Arte y Nuevos Medios de la Universidad de Potsdam (Alemania).

I.- Ha publicado los siguientes libros:

El lenguaje y el deseo, Julio Ollero Ed., Madrid, 1992
Kant: el uso teórico y el uso práctico de la razón, Ed. Mare Nostrum, Madrid, 1992
El origen de la mujer sujeto, Tecnos, Col. Metrópolis, Madrid, 1996.
Hacia un nuevo clasicismo. Veinte años de escultura española, Valencia, 1999
Desesculturas, Fundación Eduardo Capa, Alicante, 2002
El Barco del Arte, Ministerio de Cultura, Madrid- Bilbao, 2005
Problemas del arte contemporáne@, Cendeac, Murcia, 2006

II.- Ha participado en los siguientes libros colectivos dedicados a temas de arte y Estética:

José Tono Martínez (Ed.), La disputa de la postmodernidad, Ed. Libertarias, Madrid, 1.987
Angel MOLLA (Ed.), Conmutaciones. Estética y ética en la modernidad, Laertes, Barcelona, 1992
Fernando Castro Flórez (Ed.), La Estética del Nihilismo, Centro Galego de Arte Contemporanea, Santiago de Compostela, 1996
Isidro Herrera (Ed.), Huéspedes del porvenir, Cruce Ed., Madrid, 1997
Javier Maderuelo (Ed.), El jardín como arte, Diputación provincial de Huesca, 1997
Patricia Mayayo (Ed.), En torno a Georges Bataille, Cruce, Madrid, 1999
Angel Mollá (Ed.), Después de Marx y Freud, Cabildo Insular de Tenerife, Sta. Cruz de Tenerife, 1999.
Ha editado en castellano (prólogo, traducción y notas) el Análisis de la belleza del pintor William Hogarth (Visor, Madrid, 1997).

Ha publicado además numerosos textos de catálogos y colaboraciones en diversas revistas nacionales.

III.- Por otra parte, ha comisariado las siguientes exposiciones, para todas las cuales ha publicado sus respectivos catálogos:

El juego con la muerte (Galería Buades de Madrid, julio 1994);
Cirugía anestésica (Cruce, Madrid, abril 1995);
Jugar a ver (Cruce, Madrid, septiembre 1995);
Charcutería, (Buades, Madrid, julio 1996);
Hacia una nueva sensibilidad (Stedelijk Museum, Bureau Amsterdam, julio-agosto 1996)
El intercambio simbólico y la muerte (Cruce, Madrid, marzo 1997)
Hacia un nuevo clasicismo. Veinte años de escultura española (Círculo de Bellas Artes, Madrid, abril 1999, Castillo de Santa Bárbara, Alicante, junio 1999, Casal Solleric, Palma de Mallorca, agosto-septiembre, 1999, Reales Atarazanas, Valencia, octubre-noviembre, 1999)
Gustavo López Armentia (Sala Parpalló, Valencia, del 27 de junio al 31 de agosto de 2000).
Hilario Bravo. Las cuentas de Caronte (Círculo de Bellas Artes de Madrid, enero-febrero de 2001, Galería Antonio Prates de Lisboa, abril de 2001, Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo de Badajoz, junio de 2001)
Antón Patiño. Horizonte vertical. Pinturas 1987-2001 (Centro Cultural Conde Duque de Madrid, febrero de 2002)
Desesculturas (Círculo de Bellas Artes de Madrid, mayo de 2002, Castillo de Santa Bárbara, Alicante, julio-agosto de 2002).
Vicente Peris. Suite Venezia (Reales Atarazanas de Valencia, noviembre de 2003, Círculo de Bellas Artes de Madrid, diciembre de 2003, Lonja del pescado, Alicante, febrero de 2004).
El Barco del Arte, Bilbao, julio de 2005.
Manolo Quejido, Pintura en acción, Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Sevilla, marzo de 2006.
De entre ellas cabe destacar especialmente las exposiciones Hacia un nuevo clasicismo. Veinte años de escultura española (con obras de los escultores españoles más importantes de los años ochenta) y Desesculturas (con obras de una selección de escultores españoles de los años noventa).

Inscripción 2009

2009-10-26T17:32:00.004+01:00

Esta actividad será convalidada por 2 créditos de libre elección, aprobada por el Consell de Govern de la Universitat de València de 29 de septiembre de 2009.

Información y matricula alumnos de la Universitat de València con créditos (certificación académica):

Tel.: 963 983 793

Inscripción a través del correo electrónico: florentina.sanchez@uv.es
Indicando: nombre, apellidos, NIF, dirección postal completa, correo electrónico, teléfono de contacto.

Precio: 36 €

c/c: Bancaja –Urbana Facultades- 2077-0065-44-3101943384

Dirigido a:
Estudiantes de Historia del Arte, Bellas Artes, Humanidades, Comunicación Audiovisual, Ciencias de la Información, y también artistas, críticos de arte, comisarios, directores de museos y centros de arte, gestores culturales, periodistas y público en general.

La persona interesada que no desee créditos, podrá inscribirse gratuitamente facilitando sus datos personales a través del siguiente correo electrónico hasta completar el aforo:
jornadesartcontemporani@gmail.com
Certificado de asistencia

Lugar de celebración:
Salón de Actos MuVIM
Quevedo, 10
46001 Valencia

Organiza: Institut de Creativitat i Innovacions Educatives. Universitat de València
Patrocina: Dirección General de Política Científica. Generalitat Valenciana
Colabora: MuVIM y Sala Parpalló. Diputació de València

Programa 2009

2009-10-20T16:45:00.016+02:00

Día 5 de noviembre

10 h. Apertura.
Román de la Calle, Director del MuVIM, Valencia.
Petra Mª Pérez Alonso-Geta, Directora del Institut de Creativitat i Innovacions Educatives de la Universitat de València.
Vicente Bellver, Director General de Política Científica de la Generalitat Valenciana.
Carmen Senabre, Profesora de Estética y Teoría de las Artes de la Universitat de València.
Ricard Silvestre, Investigador del Institut de Creativitat i Innovacions Educatives de la Universitat de València. Centre de Documentació d’Art Valencià Contemporani (CDAVC).
José Luis Pérez Pont. Comisario, crítico de arte y abogado. Presidente de la Asociación Valenciana de Críticos de Arte.

10.30 h. Arte – público: ¿una relación imposible?
Miguel Cereceda. Profesor de Estética y Teoría de las Artes de la Universidad Autónoma de Madrid. Crítico de arte.
Modera: Carmen Senabre.

12.30 h. Estrategias desde el centro de arte.
Yolanda Romero. Directora del Centro José Guerrero, Granada. Presidenta de ADACE (Asociación de Directores de Arte Contemporáneo de España).
Modera: José Luís Pérez Pont.

17 h. La imposibilidad de la crítica en su difusión pública.
Chus Tudelilla. Comisaria y crítica de arte.
Modera: José Luís Clemente, Universidad Politécnica de Valencia

19 h. ¿Y para qué poetas…? (todavía).
Rogelio López Cuenca. Artista.
Modera: Maite Ibáñez. Universitat de València

Día 6 de noviembre

10 h. ¡Apaga y vámonos! Crónicas de un desertor del arte.
Ricard Mas. Comisario y crítico de arte.
Modera: Ricard Silvestre.

12 h. El espectador ante el arte monitorizado. [cancelada]
Daniel Castillejo. Director de Artium. Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo.
Modera: Álvaro de los Ángeles, Universidad Politécnica de Valencia.

17 h. El público, lo que es público y lo que se ha publicado en el arte contemporáneo. [cancelada]
Iván de la Nuez. Comisario, ensayista y crítico de arte.
Modera: Amparo Zacares, Universitat de València.

19 h. Dos públicos en un mismo itinerario artístico.
Antoni Abad. Artista.
Modera: Ricardo Forriols, Universidad Politécnica de Valencia.

20.30 h. Clausura.
Ana de Miguel. Directora de la Sala Parpalló, Valencia.
Carmen Senabre / Ricard Silvestre / José Luis Pérez Pont.

Presentación I Jornadas

2009-10-20T16:42:00.031+02:00

Arte contemporáneo y público
¿Una relación imposible?
5 y 6 de noviembre de 2009 / Salón de Actos del MuVIM

Si en la actualidad diéramos por sentados los vínculos entre el arte contemporáneo y el público, ¿por qué seguimos planteando ciertas cuestiones?

¿Algo falla en el engranaje de la creación artística? ¿Ha quedado superado el arte contemporáneo frente a otras formas de transmisión? ¿Pueden los centros de arte y los museos intervenir positivamente en la regeneración de la escena cultural? ¿Es la educación uno de los pilares dañados en la sociedad actual? ¿Han optado los creadores por construir un discurso artístico elitista? ¿Qué elementos intervienen para el desarrollo de un cierto “desprecio” hacia el arte contemporáneo por parte de un amplio sector del público? ¿Qué iniciativas podrían desarrollarse para contribuir en la transformación de las dinámicas de distanciamiento?

En este contexto se percibe la fractura entre el arte contemporáneo y el público, convertido en una audiencia que rara vez encuentra los canales de acceso a los actuales lenguajes artísticos. A través de estas Jornadas se pretende aunar puntos de vista y opiniones críticas.